Nacido en Santiago de Cuba en 1950, egresado sucesivamente de la academia local José Joaquín Tejada, de la Escuela Nacional de Arte de Cubanacán y de la Academia Repin de Leningrado (San Petersburgo), es autor de piezas escultóricas que se inscriben en lo más notable de la monumentaria cubana y de América Latina y el Caribe, así como de una saga pictórica no figurativa de gestos sumamente expresivos.

Inmerso, también, en esa circunstancia del aguardo, el artista decide declarar un duelo perenne contra el encierro y la inercia, del cual logra salir ileso y enriquecido, y nos invita a seguirle. No sólo porque elige sabiamente reverenciar su tiempo y su vida en actitud creadora, sino también porque –y aquí destaco lo virtuoso de su elección– se propone, a través del lenguaje del arte, hilvanar entre sí, su familia y amistades, una suerte de canal virtual, conectivo-afectivo que rompe los límites impuestos por la distancia, para proveer de comunicación, del contacto social fraterno y alentar definitivamente a la perseverancia y al encuentro de los propósitos de la vida.

Junto a la diversidad funcional y la riqueza figurativa, destacan también las acertadas propuestas en la identidad de los productos, que tipifican su posible denominación en el mercado,  algunas sencillas soluciones de embalaje personalizado, así como la característica de acoplamiento de ciertas piezas para facilitar su almacenaje y transportación.  En todo el proceso creativo es evidente la búsqueda conceptual realizada por los creadores, donde se aprecia la relación y exaltación de referentes con genuina cubanía. Las raíces aborígenes y caribeñas, la exuberancia y endemismo de nuestra flora y fauna, la tipicidad de platos y bebidas tradicionales de la región, las líneas y formas geométricas propias de diferentes estilos artísticos, son fuentes inspiradoras en la creación de estos curiosos ajuares utilitarios.

A la inauguración asistieron dos de los artistas finalistas de la ciudad de Camagüey, Nelson Miranda Varona y Rolando García Beirán, periodistas de varios medios de difusión y trabajadores del colectivo sede. El momento fue propicio además, para entregar el Premio Colateral FUNDACIÓN CAGUAYO, otorgado en el recién concluido Salón de Artes Visuales Fidelio Ponce de León en Camagüey, al artista Alejandro Rodríguez Leyva «Alejo», por su obra fotográfica «El Tejano». El mismo recibió la obra de arte «Pareidolia», del destacado artista de las artes visuales cubanas Carlos René Aguilera Tamayo.

Es así que, estimular el interés por el coleccionismo es una de las prioritarias aspiraciones de esta exposición, principalmente del Coleccionismo institucional público, una de las tantas variantes que tiene la pronunciada práctica. Al ver la cuantiosa recopilación, se pueden suscitar apreciables formulaciones futuras. Este es el camino. No hay otro. Hay que generar estrategias que permitan componer otras colecciones semejantes, aunque es importante nombrar que existen en Cuba otras experiencias afines que tienen como mecenas a instituciones de similar naturaleza como la Fundación Antonio Núñez Jiménez o la Fundación Ludwig de Cuba, entre otras, así como actores naturales y externos que llevan a cabo este ejercicio en el territorio nacional. Es la única manera de salvar el arte, de apuntalar la historia. Al mismo tiempo, componer una antología como la que hoy se observa es una fuente de vida para los movimientos artísticos y sus representantes. Su legado se mantiene vivo, latente y seguro.

Adalberto fue capaz de llevar a las grandes orquestas soneras a la ENA y nos hizo bailar a todos en los diversos salones. O sea, que la vocación de Adalberto hacia el son siempre estuvo presente. Su entrega absoluta a lo que él consideraba uno de los horcones fundamentales de la cultura cubana, que era la música y, específicamente, el son, lo acompañó perennemente y lo defendió hasta sus últimos momentos. Luego el vino para Santiago de Cuba, porque él sabía que aquí había un ambiente esencial para cultivar el verdadero son y es cuando se funda Son 14, la legendaria orquesta. Allí tuvo su punto de partida.

Por alguna razón hubo un grupo de amigos que teníamos una gran empatía. Éramos una especie de clan y ambos formábamos parte de ese grupo.  Teníamos un juego entre nosotros donde nos disputábamos el saludo. Era algo muy simpático, a veces uno se escondía para sorprender al otro y decirle no me saludaste hoy, de ahí surgió una frase “estás cogido”.  Eso empezó muy sencillo y terminó siendo una cacería entre los amigos casi diariamente. Era un juego muy lindo.

Adalberto me hizo bailar la última vez que vino a Santiago de Cuba en el anfiteatro Mariana Grajales. Allí me volvió a sorprender, cuando me vio me dijo –estás cogido– cómo me decía siempre cuando éramos estudiantes y luego cuando él estaba en el escenario cantando yo también lo sorprendí a él, lo hice reír. No olvidaré nunca su sonrisa aquel día. Como tampoco olvidaré el dolor en las rodillas que me provocó estar toda la noche bailando y que me duró mucho tiempo.

A Adalberto la única vez que lo vi verdaderamente incómodo fue cuando de una manera abrupta se decidió que se suspendieran los Festivales del Son. Hasta lloró, sufrió mucho aquello. Creía, como muchos, pero él sobre todo, que el son es esencia de lo cubano. Él estaba convencido de que uno de los pocos pueblos del mundo que baila y canta su música es Cuba y que el eje estructurado de esa necesidad de cantar y bailar nuestra música es garantizado por el son que ha dado lugar a otros subgéneros. Por eso, alguien le llamó “El Caballero del son” porque era su vida .

La última vez que hablé con Adalberto fue por teléfono, el día del cumpleaños de  Frank Fernández. Frank me dijo espérate que hay alguien que te quiere saludar y cuando me lo puso al teléfono me dijo: estás cogido. Era una amistad muy linda. Ahora sí estoy cogido de verdad, porque se me fue un hermano. Adalberto era el son. Era muy noble y consagrado. Dedicó toda su vida a defender ese pedazo tan importante de nuestra identidad. No podrá olvidarse nunca su música y su trabajo. Y tenemos que trabajar mucho para que nunca sea olvidado.

A veces hay que mirar hasta el cielo

Alberto Lescay Merencio no quería dejar de estudiar, no podía. Pronto resolvió la dicotomía entre las especialidades de pintura o escultura que le planteaba cada escuela. Los creadores no tienen límites. Por eso sumó a su trayectoria los títulos de Escultura en la Escuela Nacional de Arte (1973) y el de Maestro en Arte en la Academia Repin de Escultura, Arquitectura, Pintura y Gráfica de San Petersburgo (entonces Leningrado) en 1979. Y volvió a su suelo, a fundar, a servir. Espacios como la Columna Juvenil de Escritores y Artistas de Oriente, la entonces Brigada Hermanos Saíz y aquel emporio que fuese el Taller Cultural, hablan de ello.

Entre sus piezas emplazadas —en Cuba y más allá—, sobresale el Monumento a Antonio Maceo, en la Plaza homónima, a la entrada de Santiago de Cuba, parte ya de la memoria visual de la ciudad. La dimensión de esta obra exigió la construcción de un Taller de Fundición que hizo posible a posteriori el sueño de muchos escultores cubanos. Dieciséis metros de bronce y también de paciencia, de voluntad, de diseño. Ese fue el pilar, la inspiración para el surgimiento en 1995 de la Fundación Caguayo para las Artes Monumentales y Aplicadas.

“Toda sociedad que aspire a crecer, necesita del arte público. Una obra pública pertenece a muchas personas durante muchas generaciones, por eso el diseño es el eje para lograr un resultado eficaz. Todo el mundo tiene necesidad de la espiritualidad, de algo que lo inquiete, que lo motive; de registrarse a sí mismo para entender a lo que se enfrenta”, apunta el maestro.

“Tú trabajas sobre algo que no existe, escoges un lugar determinado con elementos que pueden ser de la naturaleza o hechos por el hombre; pero tú vas a diseñar en ese espacio algo nuevo y todo tiene que conjugarse con armonía. El gran reto de la escultura pública, del arte público, es asumir un supradiseño, incorporar el paisaje, el contexto, todo aquello que va a incidir en la apreciación de la obra. Es un pensamiento macro, pudiéramos decir que un pensamiento cósmico. A veces tienes que mirar hasta el cielo”…

Fueron galardonados 12 trabajadores con la Orden Lázaro Peña de Primer Grado, de diferentes sindicatos y territorios; en tanto, con la Orden Lázaro Peña de Tercer Grado distinguieron a cuatro exdirigentes sindicales y, con la Medalla Hazaña Laboral, a seis trabajadores de la Salud y de la Ciencia, integrantes del Contingente Internacional de Médicos Especializados en Situaciones de Desastres y Graves Epidemias Henry Reeve.

Acompañaron a los homenajeados, los miembros del Buró Político del Partido Manuel Marrero Cruz, primer ministro; Roberto Morales Ojeda, secretario de Organización y Política de Cuadros del Partido, y los ministros de las far y del Interior, el general de Cuerpo de Ejército Álvaro López Miera, y el general de brigada Lázaro Alberto Álvarez, así como Ulises Guilarte de Nacimiento, secretario general de la CTC, entre otros…

El audiovisual es una aproximación testimonial a esta arista. Utiliza el color como táctica conductiva. El rejuego visual constante con imágenes de elementos sugerentes como los mosaicos de las escenas iniciales suministra el sello distintivo para demarcar la pluralidad a la cual hace alusión en su premisa. Se suceden fotogramas sugestivos que dan la sensación de estar tocando texturas al igual que el repertorio de pieles humanas con diferentes matices, que transmiten rotundamente el mensaje de la obra. El refuerzo con secuencias donde se está realizando el proceso creativo es primordial para otorgar esa inyección dramática, lo que amplía la experiencia sensorial del espectador. Fragmento notable es la voz en off que revive las palabras del alcalde Desiderio Arnaz satanizando y discriminando las actividades desplazadas en los carnavales santiagueros como una manifestación de los negros y mestizos.

Código color. Memorias alude a una problemática real que ha existido y que se puede decir aún se encuentra arraigada en la nación cubana. Cabe resaltar que es una necesidad realizar acciones que permitan neutralizar cualquier proceso de amplificación de este fenómeno social. Por tanto, tiene sentido recordar la afirmación del investigador Alejandro de la Fuente cuando reflexiona:

Seamos francos. Si identificar a la gente de acuerdo con su “raza”, si hablar de negros, blancos y mulatos es, como dijo José Martí en Mi raza (1893), un pecado contra la humanidad, los cubanos merecemos ser excomulgados en masa. ¿Pero es realmente pecaminoso hablar de un tema tan central en el proceso de formación y representación de la cubanidad? ¿O debemos, por el contrario, reservar la excommunicatio para aquellos que se han empeñado en institucionalizar el silencio alrededor de este y otros temas? (Fuente, 2000)

Es decir, Código color. Memorias es una manera racional, humana y didáctica de romper ese silencio acerca de hechos que aún subyacen en la sociedad cubana y que deben ser resueltos. El camino, definitivamente, no es el silencio. La sociedad cubana dio, décadas atrás, el paso inicial para el rompimiento de una barrera acentuada pero es necesario seguir combatiendo una problemática que fue construida y reforzada por más de cuatro siglos. Debe ser recordado que la raza puntualizando lo planteado por Fuente (2000, pág. 43) también fue un factor determinante en la formulación de la idea de cubanidad. En este aspecto el audiovisual brinda relevantes datos que demuestran lo agudo del tema.

Sin lugar a dudas, Código color. Memorias constituye una construcción tangible y coherente de la lucha contra la segregación racial. Es la paráfrasis visual del enfrentamiento a este mal de la humanidad. Una gota más para librar esta batalla infinita de reivindicación de la conciencia del ser. Vale la pena repetir las palabras de Guillén que dan inicio a la obra: “Por lo pronto el espíritu cubano es mestizo. Y del espíritu hacia la piel nos vendrá un color definitivo. Algún día se dirá: “Color cubano”.

Si revisamos su Agenda de notas (2014), de inmediato se percibe un profundo sentido crítico hacia aquellas perspectivas que ponderan el imperio de las estructuras y lo mimético frente a la subjetividad y la creatividad. ¿Se trata, en su caso, de una batalla con un vencedor imperecedero? ¿Esas contiendas formativas se manifiestan todavía en quién es y se revelan hoy en su trabajo? ¿Tendría algo que aprender todavía Alberto Lescay?
Pienso que un creador tiene que estar siempre en actitud de aprender. Tiene que ser muy abierto. La inquietud por hacer algo que responda a lo que me manda mi espíritu. Siempre me ha interesado menos lo que esté de “moda” en el mundo. He tratado de alimentarme, de cultivarme, de sentir y relacionarme para “cargarme” lo suficientemente como para tener algo que devolver con mucha franqueza. Considero que ese es el sentido de la creación artística. Por lo tanto, estoy siempre aprendiendo.

Pese a cualquier consideración, yo asumo, por ejemplo, que la Plaza Antonio Maceo es un conjunto que pudiera ser aplastante… sobre todo para mí mismo. Un amigo cuando vio aquello me dijo: “ya te puedes morir o dedicarte a otra cosa”. Cómo me iba a decir eso, si en ese momento era que me sentía listo para empezar de nuevo otra contienda.
Más allá de cualquier criterio estético, la circunstancia para concretar ese monumento se dio demasiado pronto. Llego de la URSS físicamente en el 79, pero en el resto de los órdenes fui llegando poco a poco. Fue una oportunidad importantísima haber ganado ese concurso con mi equipo.
Me quedé con cierta angustia, ciertas insatisfacciones… y vino el Cimarrón: es la pieza que hoy pudiera considerar mejor resuelta. Como solución artística, como impronta, y de ella aprendo todos los días. Fue esa un proceso de aprendizaje del mundo al que había regresado –“mi mundo”–, al que llego con una conciencia muy clara de que tenía que inventarme otra cosa luego de esa preparación técnica que había recibido.
Conceptualmente vine muy claro de que, por ejemplo, la visión europea de la realidad es epidérmica. Y esto puede parecer superficial, pero es mi manera de abordarlo. La realidad para el caribeño es lo que está dentro, lo que no puede percibir a simple observación. Quien más me ayudó a entender eso fue Lam.
Solo pude empezar a comprender lo que existía detrás una vez que conseguí ver lo que estaba por fuera…

El Grupo Antillano contó con fundadores como Rafael Quenneditt, Ramón Haití, y otros invitados más jóvenes, como Alberto Lescay Merencio, Miguel Ángel Lobaina o Julia Valdés. Aportaron, especialmente, a una comprensión de lo caribeño y ofrecieron un realce del legado africano dentro de ese Caribe.

Ya en los años noventa hay cambios. Se experimenta una búsqueda por problematizar el tema racial y las artes visuales lo confrontan abiertamente por primera vez. Tanto es así que los proyectos curatoriales que se desarrollan en ese momento tienen una clara intención de no hablar de «lo negro» sino del tema racial específicamente.

En las últimas décadas hemos asistido a un aumento significativo de la presencia del tema racial en exposiciones y proyectos curatoriales. ¿A qué se debe ese incremento y qué impacto ha tenido en el ambiente cultural de Cuba?

Eso se inscribe en un contexto en el cual, por razones socioeconómicas fundamentalmente, se retomó el debate sobre el problema racial. Este flagelo había declarado inexistente desde inicios de la Revolución y los noventa pusieron sobre la mesa el hecho evidente de que seguía estando ahí.

En ese sentido hay proyectos curatoriales que, desde la visualidad, se propusieron aportar al tema. Fueron los casos de los proyectos Queloides y Ni músicos ni deportistas, y ya a inicios del siglo XXI, se sumaron otros, que querían evaluar el tema desde la imagen.

La más reciente de estas empresas fue la exposición Aponte visionario que tuvimos la posibilidad de disfrutar en el año 2019 tanto en La Habana como en Santiago de Cuba. Una de las curadoras, Ada Ferrer, apuntaba que entre sus objetivos estaba reivindicar la figura de José Antonio Aponte, pero esta vez no como el líder de la conspiración antiesclavista de 1812, sino como un creador que puede haber contribuido, desde la descripción de sus láminas, a pensar de otra manera la primera mitad del siglo XIX, ofreciendo una visualidad paralela a la académica, por ejemplo, y que también forma parte de la cultura nacional.

Es valioso señalar que estos proyectos permiten una unión entre los artistas contemporáneos que viven dentro y fuera de Cuba, lo que los dota de una importante dimensión internacional. Esto se inserta en un interés por parte de una comunidad intelectual y artística que está cada vez más clara de que la única manera de combatir el problema racial es hablando de él y generando estrategias desde lo político, pero también desde lo cultural, para resolverlo.

Lo que queda es trabajar. Me propongo hacerlo desde la academia con la misión de documentar y establecer la historiografía del movimiento; así como explorar y visibilizar la obra de todos esos artistas para ofrecer una visión holística acerca de cómo ha sido representado el legado negro. La aspiración es que ese conocimiento nos permita tener campañas antirracistas más sólidas y ser una mejor sociedad.

Desde su surgimiento, la Fundación Caguayo se ha distinguido por su defensa y aplicación de la política cultural de la Revolución cubana. Aunque con sus especificidades, trabaja de forma intensa en el establecimiento y la defensa de las jerarquías artísticas y literarias inobjetables. Llama la atención la labor en aras de la validación y el incremento de dichas jerarquías, lo que se expresa a través de su sistema de galerías, premios, talleres, encargos de obras artísticas y de investigaciones históricas, literarias y científicas y otras formas y espacios ideados para la promoción y el crecimiento de la cultura cubana en su dimensión cotidiana. Asimismo, considero muy importante la labor desplegada por Caguayo a favor del reconocimiento del diseño como parte de las disciplinas artísticas, lo que también se extiende a la cerámica, la arquitectura y la visualidad simbólica en los espacios urbanos, siempre en interacción creadora con las tradiciones, la comunidad y el imaginario social en movimiento.

Son de saludar empeños como la Galería René Valdés Cedeño, donde han expuesto muchos de nuestros principales artistas plásticos, y el Iris Jazz Club, en el que se han presentado figuras de renombre nacional e internacional, por lo que es considerado uno de los mejores y más exigentes de su tipo en el país. De igual manera me ocurre con el proyecto Somos, una iniciativa performática de dimensiones y formato variables que involucra al propio Lescay, a sus hijos Albertico y Alejandro y a otros artistas. Son actos de fe para pensar al ser humano y su espacio desde la capacidad renovadora de los valores estéticos modernos contenidos en las artes plásticas y la música, principalmente.

Créanme que sería interminable la simple enumeración de las acciones culturales que ha llevado adelante la Fundación Caguayo en estos veinticinco años, las que le han permitido cubrir un espectro temático y formal que va desde las artes plásticas y aplicadas hasta el audiovisual, la literatura, la música, la Historia, el diseño y la formación de públicos, entre otros ámbitos. Mas no quiero finalizar sin referirme a la que constituye la primigenia razón de ser de esta institución: el ejercicio creativo y la promoción inteligente de las artes monumentales. Al ser su actividad más conocida, ello me releva de tener que mencionar todas las obras que considero importantes para la cultura cubana y de otros países.

Uno de los conjuntos más impresionantes realizados por Lescay, ya desde la Fundación Caguayo, ha sido el Monumento al Espíritu Guerrero Venezolano, inaugurado en 1996 y emplazado en el Estado de Carabobo, en esa hermana nación bolivariana. Otra pieza que clasifica entre las más originales y mejor resueltas de cuantas se han dedicado al Che, es la escultura que le hiciera al Guerrillero Heroico en 1997, ubicada en la entrada al Ministerio de Relaciones Exteriores de la República de Cuba, en La Habana. Entre los numerosos bustos que nos ha legado Lescay está el consagrado a Julio Antonio Mella, una de cuyas tres copias está situada en la ciudad de México, donde fuera asesinado en 1929 este excepcional luchador comunista por órdenes del dictador Gerardo Machado. Ahora bien, la obra que a mi juicio define mejor el estilo de Lescay y el espíritu de la Fundación, es el Monumento al Cimarrón, realizado en 1997 e izado en la localidad de El Cobre, muy cerca de la ciudad de Santiago de Cuba. La fuerza de la imagen en su verticalidad firme y ascendente, su relación crítica y al mismo tiempo amable con el entorno, y la trascendencia del peso y el volumen, en una ilusión provocada de cercana rebeldía, le confieren a esta obra valores excepcionales. Para nada es fortuito, entonces, el hecho de que esta pieza forme parte de La ruta del Esclavo: resistencia, libertad, patrimonio instituida por la Unesco, a propuesta de Haití, en 1994 en Benin. Y en este apresurado recorrido por la obra escultórica de Lescay —para no hablar de la pintura, el dibujo, el grabado ligados de modo estrecho al proceso de consolidación de Caguayo—, no podría dejar de mencionar otras tres obras capitales: el Monumento a Wifredo Lam, inaugurado en 2009, en el contexto de la Bienal de La Habana; la pieza Martí crece, donada por la Fundación a la ciudad de Santiago de Cuba en su aniversario cuatrocientos noventa y cinco y, por último, el Retrato escultórico de Mariana Grajales, colocado en el santuario de Santa Efigenia en 2015. En todos los casos, los derechos de autor y el valor de estas esculturas monumentales, han sido donados por la Fundación y por Lescay a la comunidad y a las instituciones públicas donde están enclavadas.

Al fin, mencionaré de modo sucinto a otros artistas cuyas obras han sido reproducidas —o realizadas por primera vez— en el Taller de Fundición Artística y Cerámica surgido en 1987 y devenido desde entonces escuela y fuente de trabajo para los lugareños de Dos Caminos, Santiago de Cuba y San Luis. Ellos son: los escultores cubanos Juan José Sicre Vélez (1898-1974); José Villa Soberón (varias piezas, entre ellas las dedicadas a John Lennon, William Shakespeare, Enriqueta Favez); Tomás Lara; René Negrín; Estereo Segura; Andrés González; Luis Mariano Frómeta; Martha Jiménez; Belisario Eduardo Álvarez Collado; Juan Carlos Pérez Bermúdez; Julio Carmenate; José Rolando Montero Hernández y el escultor martiniqueño René (Kho Kho) Corail.

Llegados a este punto, es fácil discernir que la trayectoria de la Fundación Caguayo para las Artes Monumentales y Aplicadas da motivos más que suficientes para celebrar sus veinticinco años de espléndida y refulgente lozanía. Debe ser razón de orgullo no solo para sus iniciadores, colaboradores y trabajadores actuales, sino para la cultura cubana en sentido general y para la entrañable Santiago, ejemplo de buen vivir y de arraigadas lealtades humanistas y afectivas en este mundo convulso, tantas veces incierto y desnaturalizado, donde discurre el presente de la especie humana. Santiago es siempre amable; por eso da gusto visitarla.

Al tiempo que los felicitamos por lo mucho que ustedes han hecho, querido Lescay y demás compañeros y compañeras, les agradecemos esta alegría que nos proporcionan, justo ahora, cuando Cuba lucha y vence en la batalla contra un enemigo invisible y en la otra guerra contra el mismo enemigo de siempre.

Dice la Organización Mundial de la Salud que el saludo más seguro no es el de juntar los codos ni rozar los puños con las manos extendidas, sino el de llevarse la mano a la zona del corazón y bajar ligeramente la mirada. Siendo así, yo sería muy feliz si me permitieran, como prueba de afecto y gratitud, inclinarme ante ustedes.

Muchísimas gracias y ¿por qué no? un abrazo enorme e inevitablemente virtual.